Por Valmir Santos*
As artes literárias e cênicas estão familiarizadas com as variantes freira, irmã, monja ou sóror em histórias que retratam como as religiosas transcenderam a disciplina monástica para dar vazão a sentimentos e desejos como meras mortais.
São mulheres que sublimam o amor ou a paixão seguindo a mística religiosa e ao mesmo tempo exortando-os por meio da palavra. Vide a poesia e a prosa da espanhola Teresa D'Ávila (1515-1582), as cartas da portuguesa Mariana Alcoforado (1640-1723) e os poemas da mexicana Juana Inés de la Cruz (1648-1695).
O espetáculo Corpos Opacos amplia esse horizonte ao partir da forma pictórica, e não da escrita, para refletir acerca do fenômeno das monjas coronadas que se deu no período colonial em países colonizados pela Espanha, como Peru e Colômbia. E tangenciá-lo à força do feminismo na atualidade.
A expressão monjas coronadas, ou monjas coroadas, designa as pinturas que mimetizavam o dorso das freiras no instante de suas mortes. Como aquelas que pertenciam ao Convento de Santa Inés de Montepulciano, em Bogotá. Seus corpos eram vestidos com o hábito e envoltos em flores. Um pintor então registrava o presumido enlaçamento com o divino, quando as chamadas noivas de Cristo, olhos cerrados, o encontrariam em outro plano.
Uma coleção desses quadros remanescentes dos séculos XVI e XVII alinhavou a exposição Cuerpos Opacos: Delicias Invisibles del Erotismo Místico (2013), que ocupou uma sala no subsolo da antiga igreja do Real Convento de Santa Clara, hoje convertido em museu, também em Bogotá.
Foi o contato com essa mostra, dá a entender o espetáculo, que mobilizou a atriz Carolina Virgüez a ancorar uma criação que fizesse contraponto às diretrizes patriarcas seculares da Igreja Católica e de diferentes doutrinas, cujos reflexos a mulher contemporânea sente na pele.
Esse posicionamento orienta a dramaturgia que Carolina elabora com a sua parceira de cena, a atriz Sara Antunes, e com o dramaturg Pedro Kosovski, cuja função emprestada da língua alemã define aquele que realimenta o trabalho criativo e crítico da equipe com distintas fontes de pesquisa em torno do tema.
No entanto, as premissas conceitual e filosófica que instauram o maior interesse do espectador que lotou a sessão da estreia nacional da obra, no âmbito do Mirada, ainda não se traduzem plenamente enquanto linguagem. Sobressaem os desencontros de base estética apesar da solidez dos materiais historiográfico e iconográfico.
A direção de arte de Márcio Medina encontra terreno fértil na dramaturgia para impactar conforme a cultura das artes plásticas, como nas abordagens do discurso expositivo, da função da curadoria ou da moldura vazada.
Acentuada pelo desenho de luz, a visualidade adquire tons onipresentes desde os primeiros minutos, feito um olho gigante que encobre todo o espaço cênico (o olho de Deus?) e logo tem seu efeito reduzido porque avistamos os estorvos, o silêncio trincado da equipe de contrarregragem tentando dar cabo da ação.
Tensão igual retornará em diferentes momentos, denotando ainda disjunções no texto, que transita entre o depoimento, o lugar de fala e a voz condutora da funcionária do museu.
A direção conjunta de Marco André Nunes e Yara de Novaes tampouco consegue equalizar o tamanho da empreitada formalista a que se propõe, por vezes sabotando o caráter ritual de passagens decisivas que conferem ancestralidade para falar da morte, por extensão o mistério da vida.
Uma câmera nas mãos de uma atriz a operá-la quase leva tudo por água, um dos ruídos do culto à imagem. Esse mesmo procedimento, ressalva-se, produz uma das sínteses mais provocadoras, a do close na laringe e sua paridade com o sexo feminino na projeção em tempo real.
Também é através da imagem do rosto, um rosto vivo, não o sudário cristão, que as figuras femininas demandam liberdade, identidade e direitos. E assim são evocadas pelo corpo enraizado e diáfano de Carolina Virgüez, artista de ascendência colombiana, e pelo corpo santificado e paradoxalmente revolto de Sara Antunes.
Ouvindo bem, talvez todos os elementos desse espetáculo pudessem encontrar a batida perfeita no estado de espírito da canção da diretora musical Natalia Nallo. Ela é a terceira via nessa viagem pela desconstrução da clausura. Flutua em cena com sua voz, guitarra e outros aparatos sonoros esbanjando sutileza, ímpeto e latinidade.
*Valmir Santos é jornalista, crítico e pesquisador. Idealizador e editor do site Teatrojornal – Leituras de Cena. Mestre em artes cênicas pela USP.
